Stockholm — Quand la ville rencontre l’eau

Stockholm ne ressemble à aucune autre capitale. Construite sur quatorze îles, elle est autant une ville qu’un archipel — où l’architecture historique dialogue en permanence avec l’eau, la lumière nordique et la nature. Un terrain de jeu fascinant pour un photographe.

Entre art contemporain et patrimoine : le cœur de Stockholm

En me promenant près de la presqu’île de Blasieholmen, j’ai découvert l’impressionnante sculpture monumentale Archd’Ai Weiwei, installée sur le parvis du National museum. Cette cage d’acier de 12 mètres de haut offre une perspective fascinante sur l’architecture du musée national suédois.

À Stockholm, l’eau n’est jamais loin. Les quais bordés de vieilles embarcations et de bollards en fonte jaune vif rappellent constamment l’ancrage maritime de la cité. Se balader le long de la baie de Nybroviken au lever du soleil offre des reflets magnifiques sur les façades colorées.

Évasion dans l’archipel : la magie des maisons en bois

Bien que la ville soit vibrante, il suffit d’embarquer sur un ponton ou de s’éloigner de quelques kilomètres pour découvrir le mode de vie scandinave authentique (lagom). L’archipel de Stockholm compte plus de 30 000 îles et îlots où le temps semble s’être arrêté.

Au bord de l’eau, les maisons traditionnelles en bois captivent immédiatement le regard. Si le fameux rouge de Falu est emblématique de la Suède, les façades jaune ocre apportent une chaleur unique, particulièrement sous un grand ciel bleu.

Se promener sur les pontons en bois qui s’avancent sur l’eau calme est une expérience apaisante. Les reflets des cabanes de pêcheurs et des roseaux dorés créent des tableaux naturels parfaits pour les amoureux de photographie de paysage.

L’art du détail scandinave

Réussir son voyage à Stockholm, c’est aussi prendre le temps d’observer les détails du quotidien. Les Suédois accordent une attention toute particulière à la décoration de leurs fenêtres et de leurs façades.

Au détour des ruelles, les façades révèlent souvent de charmantes scènes : lanternes rustiques, bacs à fleurs soigneusement entretenus ou encore poupées posées sur le rebord des fenêtres pour saluer les passants.

L’Hôtel de Ville (Stadshuset) : joyau architectural

Impossible de faire un voyage à Stockholm sans visiter le Stadshuset (l’Hôtel de Ville). Ce chef-d’œuvre du national-romantisme suédois abrite le banquet annuel du prix Nobel.

Ses intérieurs spectaculaires oscillent entre la sobriété monumentale de ses galeries en briques rouges et la splendeur féerique de la Gyllene Salen (la Salle Dorée), dont les murs sont recouverts de plus de 18 millions de carreaux de verre et d’or.

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Deux stations, deux visions de l’architecture souterraine

Quand le métro devient musée. Le Grand Paris Express ne se contente pas de relier les banlieues parisiennes — il offre à chaque station une identité architecturale forte, confiée à des architectes de renom. J’ai exploré deux d’entre elles, radicalement opposées dans leur ambiance et leur vision de l’espace souterrain.

Gustave Roussy — Le vertige de l’inox

Descendre à Gustave Roussy, c’est plonger dans un puits sans fond. À 37 mètres sous Villejuif, la station de Dominique Perrault — lauréate du Prix Versailles 2025 — déploie ses escalators dans tous les sens, créant une sensation de vertige saisissante. L’inox poli miroir règne en maître : lisse, maillé, perforé, il démultiplie les reflets et les brillances jusqu’au vertige.

On ne sait plus vraiment où finit l’espace et où commencent les reflets. Les escalators se croisent, les niveaux s’empilent, la profondeur s’impose. C’est une architecture qui revendique sa puissance souterraine — elle n’essaie pas de faire oublier qu’on est sous terre. Au contraire, elle en fait une expérience à part entière.

Pour photographier Gustave Roussy, je me suis renseigné sur les heures creuses — tôt le matin en semaine, avant l’afflux des voyageurs. La lumière artificielle est omniprésente et constante, ce qui simplifie la prise de vue. Le vrai défi : trouver le cadrage qui rend compte de cette profondeur vertigineuse sans perdre le spectateur.

Saint-Denis Pleyel — La chaleur du bois

À quelques stations de là, Saint-Denis Pleyel propose une expérience radicalement différente. L’architecte japonais Kengo Kuma a fait un choix audacieux — le bois. Dans un espace souterrain dédié au transport en commun, ce matériau chaleureux et organique crée une atmosphère presque apaisante.

Là où Gustave Roussy impressionne par sa verticalité et ses reflets métalliques, Pleyel rassure par son organisation claire et sa lumière zénithale. On comprend immédiatement l’espace — les niveaux, les flux, les directions. C’est une architecture pensée pour l’humain autant que pour le transit.

Les escalators d’inox dialoguent avec les lamelles de bois dans une géométrie rigoureuse. La lumière naturelle descend généreusement depuis la verrière, créant des jeux d’ombre et de lumière que j’ai cherché à capturer sous différents angles. Comme pour Gustave Roussy, je suis arrivé tôt pour éviter la foule.

Deux visions, une même ambition

Ces deux stations incarnent parfaitement la philosophie du Grand Paris Express — confier chaque espace à un architecte différent pour créer un réseau qui soit aussi un parcours architectural. Gustave Roussy et Saint-Denis Pleyel sont à l’opposé l’une de l’autre dans leur ambiance, et pourtant toutes deux atteignent leur objectif : transformer un simple lieu de transit en expérience mémorable.

L’inox froid et vertigineux de Dominique Perrault contre le bois chaud et rassurant de Kengo Kuma — deux façons de répondre à la même question : comment sublimer l’architecture souterraine ?

La suite de la série

Le Grand Paris Express compte des dizaines de stations, toutes confiées à des architectes de renom. Cette série photographique ne fait que commencer — d’autres stations sont dans mon viseur pour les prochains mois. Suivez mon actualité sur Instagram et LinkedIn pour ne rien manquer.

Et si vous souhaitez découvrir l’ensemble de mon travail en photographie d’architecture, rendez-vous sur jacqueshamard.fr.

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Introduction : La scène comme laboratoire

Le spectacle vivant offre au photographe un défi unique : celui de l’imprévisible. Pour cette collaboration avec l’association Acerma, j’ai abordé la scène non pas comme un simple spectateur, mais comme un témoin de l’éphémère. Mon objectif : traduire en images fixes l’énergie, le rythme et la tension qui habitent chaque seconde du Reportage Festival Toi Moi and Co.

La sculpture du vide et de la lumière

Travailler en basse lumière demande une attention particulière à ce que l’on ne voit pas. J’ai cherché à utiliser les noirs profonds pour isoler les artistes et souligner la puissance des éclairages de scène. Cette approche du clair-obscur permet de donner une dimension presque architecturale aux volumes.

Capturer l’instant de bascule

Au détour d’une réplique, il existe un instant de bascule où l’émotion est à son comble. C’est ce point de rupture que je traque. Que cela soit la précision d’un geste tehnique ou de la vulnérabilité d’un portrait serré, la photographie de spectacle est avant tout une quête d’authenticité.

« Photographier le spectacle, c’est écrire avec la lumière des autres. »

Conclusion : De la scène à l’espace

Ce reportage pour Acerma confirme ma fascination pour la lumière artificielle et sa capacité à transformer un lieu. Je l’applique cette rigueur à mes travaux en architecture, où la lumière — qu’elle soit naturelle ou dirigée — reste l’outil principal.

Si le Triathlon Chemin des Dames m’avait demandé de la réactivité en extérieur, ce spectacle m’a imposé une tout autre discipline…

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Reportage photo : L’effort pur au scalpel

Le triathlon est une discipline d’exigence. Trois sports, trois rythmes, mais une seule ligne directrice : la persévérance. J’ai eu le plaisir de retrouver mon ancien club pour documenter ce triathlon Chemin des dames en distance olympique. Mais cette fais, non pas comme athlète, mais pour figer ces instants où le corps et le mental ne font plus qu’un.

Acte 0 : La préparation (Le calme avant l’effort)

C’est un moment suspendu où la tension monte doucement. Dans le parc, l’ordre règne : les vélos sont méticuleusement alignés, le matériel est disposé au millimètre près. Pour le photographe, c’est un terrain de jeu fascinant où la géométrie du matériel rencontre la concentration silencieuse des athlètes.

Acte I : L’attente et l’Eau (Natation)

L’effervescence du départ. Le silence avant le signal, puis le bouillonnement de l’eau. Capturer la natation, c’est jouer avec les reflets et les éclaboussures.

Acte II : La Transition et la Vitesse (Vélo)

À la sortie de l’eau, tout s’accélère. La transition est un ballet millimétré. Une fois sur la route, c’est la quête d’aérodynamisme. Le défi pour le photographe ? Saisir la vitesse tout en gardant la netteté du regard derrière la visière.

Acte III : Le Mur et l’Arrivée (Course à pied)

La dernière ligne droite. C’est ici que les visages sont les plus expressifs. Chaque foulée raconte la fatigue, mais aussi la détermination à franchir la ligne.

Conclusion

Ce reportage a été un exercice fascinant de réactivité. Que ce soit pour figer une ligne d’arrivée ou pour cadrer la structure d’un bâtiment, mon approche reste la même : trouver l’équilibre entre la technique et l’émotion.

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Voyager au Sri Lanka, c’est accepter de laisser la carte postale de côté pour s’enfoncer dans l’épaisseur du réel.

En tant que photographe habitué à la rigueur des lignes architecturales et à la précision des portraits métiers, ce voyage a représenté un retour à l’essence même de mon métier : l’observation. Aussi, pour cette série, j’ai choisi l’itinérance brute. Le sac à dos, le train, le vélo et le scooter ont été mes seuls alliés pour une quête d’authenticité où chaque image est née d’une rencontre.

La liberté du mouvement : Du rail aux chemins de terre

Pour un photographe, le moyen de transport n’est pas qu’une logistique, c’est un cadre de réflexion. En privilégiant les transports publics et la location de scooter, j’ai pu m’extraire des flux touristiques et reprendre le contrôle de mon champ de vision.

Le scooter offre une liberté précieuse. Je m’arrête instantanément quand la lumière transperce une rizière. Je saisis l’instant quand un visage, au bord de la route, appelle l’objectif. À vélo, le rythme ralentit encore. Cela permet de capter l’imperceptible. Ce détail d’une scène de vie que la vitesse d’un bus aurait effacée.

L’Or Vert : Le regard du photographe métier

Le Sri Lanka est indissociable de ses plantations de thé, c’est le geste technique qui m’a captivé. Ici, ma spécialité de photographe de « portraits métiers » prend tout son sens.

Photographier le tri manuel des feuilles ou le portage des sacs, c’est documenter une expertise ancestrale où chaque mouvement est d’une précision absolue.

Le portrait comme boussole

L’essentiel de ce travail se concentre sur l’humain. Au Sri Lanka, le regard est d’une force rare. Que ce soit au détour d’un sentier de randonnée ou dans l’animation d’un marché local, mon approche a toujours été la même : aller au-devant des gens, engager le dialogue par un geste, une présence, avant même de sortir l’appareil.

Ces portraits de voyage sont le reflet d’un peuple résilient, dont l’accueil reste la plus grande richesse. Chaque ride, chaque éclat dans l’iris, raconte le Sri Lanka de 2024 : une terre de contrastes, entre douceur et dignité.

Conclusion : Une philosophie de l’instant

Cette série photographique est le résultat d’une immersion sans filtre. Le sac à dos n’était pas qu’un bagage, c’était une philosophie de voyage permettant de rester mobile et ouvert à l’imprévu. Si les paysages sont le décor de ce voyage, les gens en sont le cœur battant.

C’est cette même capacité d’adaptation et cette recherche de vérité que j’applique à mes reportages professionnels, qu’il s’agisse de sublimer un bâtiment ou de mettre en lumière le savoir-faire d’un artisan.

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Le principe : pas d’hôtel, pas d’itinéraire fixe

Pour ce voyage à Oman, on a fait simple. Un 4×4 loué à l’aéroport de Mascate. Une tente achetée sur place. Et une règle : chaque soir, un endroit différent pour dormir.

Pas d’hôtel réservé à l’avance, ni d’itinéraire figé. Juste une direction générale — de Mascate à Sur — et la liberté de s’arrêter où l’envie nous prenait.

C’est ainsi que ce voyage est devenu ce qu’il est : une succession de bivouacs improbables, de rencontres inattendues et de réveils mémorables. Notamment avec des chèvres curieuses ou des chameaux qui passaient trop près de la tente.

Photographiquement, ce mode de voyage est idéal pour être au contact direct avec ce magnifique pays et de ces habitants. On n’est pas derrière une vitre de bus touristique.

Mascate — La capitale entre mer et montagne

Mascate est une surprise. On s’attend à une capitale du Golfe comme les autres. On trouve autre chose — une ville à taille humaine, propre, silencieuse, coincée entre des montagnes ocres et la mer d’Oman.

Mais c’est le souk de Muttrah qui m’a le plus retenu photographiquement. Les épices, les encens, les visages des marchands — tout est là, concentré dans des ruelles couvertes.

Jebel Shams — Le Grand Canyon d’Oman

Le Jebel Shams est le point culminant d’Oman. On y accède justement en 4×4 — En effet, la piste qui monte vers le sommet est raide et caillouteuse. C’est précisément pour ce type de route qu’on a loué un 4×4.

En haut, le panorama est saisissant. Le canyon du Wadi Nakhr plonge à plus de 1000 mètres en contrebas. Les couleurs sont spectaculaires — l’ocre des rochers, le blanc des villages accrochés aux falaises, le bleu du ciel.

C’est également un endroit idéal pour bivouaquer. La nuit, la température chute brusquement. Le matin, la lumière rasante sur les falaises est extraordinaire photographiquement.

Nizwa — Le fort et le marché au bétail

Nizwa est l’ancienne capitale d’Oman. Elle mérite amplement le détour. Son fort est imposant — une tour ronde massive qui domine la palmeraie et les montagnes environnantes.

Mais c’est le marché au bétail du vendredi matin qui nous a le plus marqués. En effet, c’est une institution. Dès l’aube, les éleveurs arrivent de toute la région avec leurs chèvres, leurs moutons, leurs veaux. Le tout dans une ambiance bruyante, colorée, absolument vivante.

Les transactions se font à la main, à voix haute, avec une gestuelle précise. Les visages des éleveurs sont extraordinaires — burinés, concentrés, expressifs. C’est un terrain photographique rare. Peu de touristes s’y aventurent à cette heure-là.

En couleur, ce marché est une explosion de teintes — les robes des hommes, les pelages des animaux, la poussière orangée soulevée par les sabots.

Wahiba Sands — La nuit dans le désert

Le désert de Wahiba Sands est une incursion dans un autre monde. Les dunes sont hautes, orangées, presque irréelles. Le 4×4 y est indispensable pour s’y aventurer — c’est pourquoi, on dégonfle les pneus et on s’enfonce dans le sable.

La nuit dans le désert est, par ailleurs, un spectacle en soi. Pas un seul nuage. Pas une seule lumière artificielle. Les étoiles sont d’une densité qu’on ne voit jamais en ville. Le silence, lui, est total.

Au petit matin, les dunes changent de couleur à mesure que le soleil monte. Du rouge profond à l’orange vif. C’est précisément ce type de lumière qui rend le désert si photographique.

Le wadi — La nuit qu’on ne recommande pas

Les wadis sont des vallées encaissées creusées par les rivières. En saison sèche, ils sont à peu près praticables. Mais dormir dans un wadi, c’est une autre histoire.

On a tenté. On ne le referait pas. Non pas que l’endroit soit dangereux — mais les crues soudaines peuvent survenir sans prévenir, même par temps clair. Les locaux nous l’avaient pourtant dit.

Cela dit, les wadis sont d’une beauté saisissante. Les piscines naturelles d’un turquoise intense, les parois rocheuses qui plongent dans l’eau, la végétation luxuriante contrastant avec le désert environnant. C’est un paradoxe visuel typiquement omanais.

En couleur, les teintes des wadis sont spectaculaires — le bleu-vert de l’eau, l’ocre des rochers, le vert des palmiers. Tout s’oppose et tout se complète.

Sur — La nuit sur la plage

Sur est une ville côtière connue pour ses boutres — ces bateaux traditionnels en bois construits selon des techniques ancestrales. C’est également la ville qui marque la fin de notre itinéraire.

On a terminé le voyage comme on l’avait commencé : simplement. Une nuit sur la plage, la tente plantée face à la mer d’Oman. Le bruit des vagues en guise de réveil. Quelques chameaux en liberté qui se promenaient sur le sable au petit matin.

Ce que ce voyage m’a appris

Oman est un pays qui récompense ceux qui prennent le temps. Pas le temps des visites guidées ou des hôtels de luxe. Le temps de s’arrêter, de regarder, d’accepter ce qui vient.

Un feu de camp avec des inconnus dans le désert. Un marché au bétail à l’aube. Un réveil avec des chameaux autour de la tente. Ce sont ces moments-là qu’on ne trouve pas sur les applications de voyage.

Photographiquement, ce mode de voyage est également le plus fertile. On est disponible. On est présent. Les meilleures images arrivent ainsi quand on ne les cherche pas — quand on est simplement là, au bon endroit, au bon moment.

C’est finalement cette même disponibilité que j’essaie d’apporter à mes missions professionnelles à Paris. Être présent, observer, attendre la lumière juste. Que ce soit dans le désert d’Oman ou dans un bureau parisien.

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Photographier les gens, pas les lieux

Ce voyage au Vietnam, je l’avais imaginé comme une aventure familiale avant tout — rejoindre mon fils et sa fiancée pour trois semaines de route commune, du nord au sud du pays. L’appareil photo était là, comme toujours. Mais l’intention photographique s’est précisée rapidement : ce qui m’attirait au Vietnam, c’était les gens. Pas les monuments, pas les panoramas — les visages.

À cette période, je travaillais exclusivement en noir et blanc. Un choix qui s’était imposé progressivement — une façon de dépouiller l’image de l’anecdotique pour n’en garder que l’essentiel. Supprimer la couleur, c’est forcer le regard vers autre chose : une expression, une texture, un contraste, une lumière sur un visage. Le Vietnam, avec sa richesse humaine extraordinaire, était le terrain idéal pour ce type de photographie.

Ma méthode est simple — et assumée : je photographie les gens dans la rue, sans les prévenir, sans les mettre en scène. L’instant volé, la spontanéité, le geste vrai. C’est ce qu’on appelle la street photography. En noir et blanc, ces images prennent une dimension intemporelle — on ne sait plus vraiment à quelle époque elles appartiennent.

Hanoï — La rue comme studio

Hanoï est une ville extraordinaire pour la photographie de rue. Le vieux quartier concentre une densité de vie incroyable. On y trouve des vendeurs ambulants, des artisans sur le trottoir, des personnes âgées assises devant leur porte.

Tout se passe dans la rue, à ciel ouvert. Les gens vaquent à leurs occupations sans prêter attention à l’objectif. C’est justement cette indifférence naturelle qui permet les meilleures images.

Par exemple, le visage concentré d’un vendeur de phở. Ou encore la vieille femme qui porte son joug chargé de fruits. Chaque coin de rue est une image potentielle.

La lumière à Hanoï est, par ailleurs, idéale pour le noir et blanc. Les ruelles étroites créent des zones d’ombre et de lumière très contrastées. C’est précisément ce type de lumière que je cherche.

Sapa — Les visages des montagnes

Sapa est l’autre grand terrain de portraits de ce voyage. Mais le registre est complètement différent. Ici, pas de rue animée. À la place : des chemins de terre, des rizières en terrasses, des villages Hmong et Dao rouges.

Les femmes Hmong et Dao ont une présence photographique extraordinaire. Leurs visages sont marqués par le travail et le soleil. Leurs habits sont brodés avec soin. En noir et blanc, leurs traits prennent une profondeur et une dignité particulières.

Ces portraits se font dans la proximité et le respect. Plusieurs jours de trek avec un guide local permettent de créer une vraie relation de confiance. Les images qui en résultent sont ainsi plus posées, plus habitées.

Les nuits chez l’habitant offrent également des occasions de portraits intimes. Autour du feu, à la lumière naturelle — des moments simples et précieux.

Ha Long & Ninh Binh — Parenthèse de paysages

La baie d’Ha Long et Ninh Binh sont deux parenthèses plus contemplatives. Les paysages y sont saisissants — pitons calcaires sur l’eau, rizières et rivières.

Ces endroits se prêtent davantage aux cadrages épurés qu’aux portraits. J’y ai donc cherché les silhouettes, les reflets, les contrastes graphiques. Quelques portraits de pêcheurs viennent toutefois ponctuer ces séquences.

Hué & Hoï An — Entre histoire et quotidien

À Hué et à Hoï An, les portraits s’invitent naturellement entre les monuments. Un moine qui traverse une cour intérieure. Un artisan concentré sur son ouvrage. Un vendeur du marché du matin.

À Hoï An notamment, les marchés de l’aube sont une mine d’images. Avant l’arrivée des touristes, la ville appartient encore à ceux qui y vivent. C’est là que se trouvent les meilleures scènes de vie.

Le Mékong — Des visages sur l’eau

Le delta du Mékong, entre Can Tho et Bên Tre, est l’un des endroits les plus riches de ce voyage. C’est également l’un des moins touristiques. La vie se passe sur l’eau.

Les bateliers manœuvrent leurs embarcations chargées de marchandises. Les vendeurs des marchés flottants interpellent les clients depuis leurs barques. Partout, des visages au travail, concentrés, naturels.

En noir et blanc, les reflets sur l’eau et les expressions des visages créent des images d’une grande richesse. C’est ici, plus qu’ailleurs, que la photographie spontanée révèle sa force. Les gens sont absorbés par leur travail. Ils ne voient pas l’objectif — ou s’en moquent. Les images qui en résultent sont donc d’une authenticité rare.

Ho Chi Minh Ville — Dernière image

Ho Chi Minh Ville conclut ce voyage dans un tourbillon d’énergie urbaine. Une ville qui pulse, qui déborde — mais où nous n’avons passé que peu de temps. Quelques images de rue capturées à la volée, une dernière impression avant le retour.

Ce que ce voyage m’a appris

Rentrer du Vietnam avec des centaines de portraits en noir et blanc, c’est avoir fait un choix photographique radical — et l’avoir tenu jusqu’au bout. Ne pas se laisser distraire par les paysages spectaculaires, les temples photogéniques, les couchers de soleil. Rester focalisé sur ce qui m’intéresse vraiment : les gens.

Ce voyage m’a confirmé que la photographie de rue en noir et blanc est une discipline qui demande de la patience, de la discrétion et du respect. On ne vole pas une image — on la reçoit. Le noir et blanc y ajoute une dimension intemporelle qui transcende le document pour toucher à quelque chose d’universel.

C’est cette même sensibilité au visage humain que je mets aujourd’hui au service de mes clients à Paris et en Île-de-France. Mes portraits métiers ne sont pas des photos de studio — ce sont des images qui cherchent la personne vraie, dans son environnement, avec sa lumière. Le Vietnam n’est pas loin de là.

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